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ARTE URBANO, ENCONTRANDO EL PUNTO DE COCCIÓN EN LAS GALERÍAS

martes, julio 24th, 2018 | T: lamono

Imagina que tienes una cesta con los ingredientes y una enorme olla en la que cocinarlos. Ahora solo falta crear, combinarlos de forma que al final resulte un guiso rico, jugoso y sustancial. Como dijo Hans Ulrich Obrist, “un buen curador es como un buen chef”. Los ingredientes son las obras de arte, el trabajo del artista; la olla en la que todo coge forma es la galería y, por último, está el comisario, que debe conseguir que haya una cohesión y nazca una conexión entre el arte y el espectador. Cuando haya terminado, solo quedará saborear el resultado. Hablamos con algunos de estos ‘chefs’ que, desde distintos puntos del país, trabajan para que el arte urbano llegue más y mejor a la gente y para que sus sentidos sigan despiertos. / T: Vicky Navarro

www.contemporanea.org

www.plasticmurs.com

www.addagallery.com

scgallery.es

Mario Martín lleva a la cabeza de Contemporánea desde su creación, en 1996. Empezaron con un espacio en Granada y luego quisieron ir más lejos, crear proyectos más grandes y ambiciosos, así que se centraron en ellos para transportarlos a espacios de otras ciudades y países. “Sin duda, el mayor reto es que te escuchen y que el proyecto que llevas sea lo suficientemente atractivo para que el interlocutor del museo o el espacio que piensas como idóneo para exponerlo te dé el “sí”, confiesa. A Mario no le gusta la palabra ‘curador’. De hecho, la odia: “Es una etiqueta propia que importaron a España los que vendían, a su vez, la ‘gestión del arte’ en un determinado momento de los 90’s. Crearon un cargo para que una institución pagara a alguien por un texto cuando, quizás, esta persona ni siquiera conocía la trayectoria del artista. Pero había que justificar la acción (o el presupuesto)”. Según Mario, el curador (o como quiera llamarse) es “el gran productor, el hacedor o el que logra que todo tenga sentido, coordinando todos los elementos necesarios para que esa producción se haga realidad”.

Aun así, la pieza fundamental es el trabajo del artista. Paradójicamente, “en este país parece que los/las artistas son los únicos ajenos al proyecto”. Es indignante ver que a veces incluso pueda cobrar el comisario y ellos no. “También cobran los pintores de la sala, los de los vinilos, los de la moqueta… y ¡es el artista quien, con su nombre, hace que el público visite la exposición!”, exclama Mario. Y es que aquí todavía no se ha llegado al punto en el que llegue a valorarse el arte como una herramienta educativa, de mejora social, y como algo necesario. Desde Valencia, hablamos con Vicente Torres, director de la galería Plastic Murs, que abrió las puertas de su galería física hace poco más de tres años. Acaban de inaugurar su Summer Show, una exposición que nos acerca el trabajo de 13 artistas de la escena del Street art en España. “Es un recorrido por las diferentes expresiones, desde la abstracción hasta la figuración o el diseño. El arte urbano es muy dinámico y es lo que queremos mostrar en la exposición”, explica. Vicente cuenta que hay multitud de artistas españoles que tienen más reconocimiento fuera de nuestras fronteras que aquí. Por suerte, poco a poco esto está cambiando: “Cada vez se tiene más en cuenta a los artistas del ámbito urbano para grandes proyectos tanto institucionales como privados. Esperemos que esta tendencia siga creciendo”.

Nos subimos a un barco para viajar hasta Ibiza, donde Anna Dimitrova acaba de arrancar un nuevo proyecto conjunto con Paradiso Art Hotel. Adda Gallery Ibiza es la primera galería con espacio fijo especializada en Street Art que se establece en la isla y llega para “aportar un arte de calidad y permitir al público no solo descubrirlo, sino poder llevárselo a casa”. Anna es una gestora cultural búlgara con una larga trayectoria en el ámbito del arte urbano y muchos años viviendo en Barcelona. Cuando empezó, en 2003 con el festival CamelArte, “todavía era un sector muy cerrado”, afirma, y añade que así fue “descubriendo poco a poco los artistas urbanos y su trabajo y hubo una atracción inmediata”. “Vi claramente el potencial que tenía este arte de grandes dimensiones accesible a todos. Me gustaba el espíritu, mucho más libre que en otras artes, la estética, el fondo, la manera de ser de los artistas y, desde entonces, no he dejado de trabajar con ellos”.

Con más de 70 exposiciones a sus espaldas y ocho años trabajando junto a Montana Gallery, Anna ha visto evolucionar la escena del arte urbano en todos los sentidos: “desde el parón en los años de crisis, tras la ley cívica, que repintó la ciudad en gris, hasta su reflorecimiento en la actualidad, en que muchos artistas como INTI, Jaz, Jorge R. Gerada y otros, vuelven a instalarse en Barcelona, atraídos por la calidad de vida de la ciudad. Con ellos renace aquel bullicio cultural que podíamos vivir a principio de los 2000 y, por otro lado, las iniciativas para pintar de manera legal se multiplican con actores importantes como Wallspot, Kognitif Platform o Montana Colors”. Cada vez hay más encuentros e iniciativas involucradas en el sector, así como marcas comerciales que ayudan con la financiación. “Espero que pronto el Ayuntamiento de Barcelona abra más las puertas a esta disciplina que tanto ha aportado a la ciudad y que va profundamente ligada a su identidad artística”, plantea Anna.

Cuando hablamos de curaduría de arte, de ser comisario de una exposición, o gestor cultural, nos preguntamos qué es eso exactamente. La periodista y crítica de arte Rosa Olivares expresaba en una entrevista para Efe que la curaduría “es un descubrimiento que se ha engrandecido y deformado”. Un poco en la línea de lo que decía Mario Martín, ella también cree que “se está haciendo un oficio de algo que es una creación” y que el afán de estrellato de la sociedad en la que vivimos “ha convertido al curador en protagonista de la exposición”. Olivares opina que ser comisario no es algo que pueda estudiarse en las universidades, sino que debe salirte de dentro, como una especie de don.

es necesario generar nuevos espacios de entendimiento y ver la galería como un lugar para la crítica y el pensamiento más allá de la visión acelerada y los likes en las redes

Sergio García Bayón, fundador de SC Gallery en Bilbao, está de acuerdo en que debes tener vocación, “pero no naces comisario de arte, es más, hay que profundizar y estudiar en diferentes campos”. Sergio explica que es un trabajo complejo y sesudo que requiere “un compromiso y una constante investigación dentro del arte contemporáneo”. Él empezó a pintar y a crear fanzines cuando era adolescente y el hecho de relacionarse con artistas de un modo tan cercano le ha dado una visión particular. Este año SC Gallery cumple una década y van a celebrarlo a lo grande. Bajo el titulo ‘RESISTENCE X’, una exposición colectiva reunirá el trabajo de 29 de los artistas que han pasado por SC en estos años (entre ellos, Andrea Btoy, Remed, SpY, Sixe Paredes, Suso33, Ana Barriga o Axel Void). Para el cierre final, el artista y productor musical Dj Uve realizará un set de cuatro horas de música, así que parece que va a ser algo grande. Aun así, “después de diez años de intenso trabajo, SC sobrevive como un espacio de referencia en Bilbao, donde el tejido galerístico vive en una menguante deriva”, afirma Sergio. “Este escenario pone en evidencia que los problemas del sector no son sólo económicos, sino también de definición sobre las propias condiciones del contexto artístico”, añade. Por eso, desde SC Gallery “es necesario generar nuevos espacios de entendimiento y ver la galería como un lugar para la crítica y el pensamiento más allá de la visión acelerada y los likes en las redes”.

Sergio es bastante directo. Al comentarle que queremos hablar con él sobre la curaduría de arte, nos contesta que lo que hace falta es “caraduría”. “Estamos en el momento de proponer alternativas de trabajo que tiendan a repensar, obligatoriamente, un modelo en constante lucha entre ser un negocio económicamente sostenible y un foco capaz de subsanar la falta de sensibilidad hacia el arte contemporáneo, en un contexto donde existe un hiperdesarrollo del ocio frente a la noción de cultura. La sociedad ha de tomar conciencia de como el arte es necesario, tanto para avanzar en su desarrollo como para dar testimonio histórico de los distintos momentos vividos”.

Por suerte, parece que, aunque cada vez cuesta más despertar un interés profundo por el arte en las galerías, el arte urbano se ha adaptado a los nuevos tiempos. Según Anna Dimitrova, “el graffiti será siempre lo que es, un movimiento libre y alternativo, pero el arte urbano se posiciona y diferencia como corriente y el público general cada vez más aprende a apreciarlo”. En cambio, para Sergio hay un problema, y es que “estamos ante una nueva época de arte en la calle y desgraciadamente del arte urbano de raíz queda bien poco; se mete todo en el mismo saco y el arte urbano independiente y contestatario está pasando a la historia”. Por su lado, Mario Martín cuenta que, “cuando surgió el Street Art tenía componentes (sus artistas) que venían de escenas muy auténticas: graffiti, hip-hop, punk, skate, surf… y eso es una base muy sólida para tener vigencia y gran recorrido. El gran reto es la madurez del movimiento y su transformación futura para que, sin perder honestidad, siga emocionando al público que ha crecido con él”.

Ahí es donde entra el papel del comisario que, mano a mano con los artistas, debe conseguir que la conexión entre arte y espectador sea cada vez más fuerte y sólida. “Ser curador es tener paciencia, curiosidad, sensibilidad y visión global, pero, sobre todo, pasión por lo que haces”, asegura Anna. Puede que, como para un buen cocinero, lo importante sea el punto de cocción y, por supuesto, el emplatado. Aunque el trabajo del artista es la pieza clave, la presentación y el trabajo de cohesión, serán los que despierten en el público las ganas de comerse el plato (y repetir).

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