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#lamonoCHATS: Alex Trochut, protagonista del festival Blanc



Festival Blanc, 2017

El festival Blanc es la cita del diseño en la ciudad de Barcelona. Un encuentro donde talento joven y grandes nombres del gran espectro de esa disciplina artística se conocen, donde se intercambian opiniones y nuevos nombres saltan a la palestra. Éste es un festival muy especial para una comunidad muy unida y ha ido creciendo año tras año hasta convertirse en la cita más esperada en el calendario no solo de diseñadores, sino también de cualquier amante de las cosas bien hechas. En esta edición cuentan con la participación del diseñador barcelonés Alex Trochut. Experto en tipografía e ilustración, vive en Brooklyn y ha trabajado para grandes marcas como The New York Times o Nike, así como con grupos de la talla de Rolling Stones, Arctic Monkeys o Jack White. Un artista querido y valorado en el mundo del diseño, de aquí y allá. Trochut considera el diseño como un pilar de la sociedad, incluso más importante que el arte –dada su cotidianidad– y define el festival como un acontecimiento único, por su programación “hecha a medida para la comunidad” así como su “clima muy íntimo”, donde pueden acercarse conferenciantes y nuevos talentos. Con esa actitud suya de reinvención y evolución constante, Trochut nos ha compartido sus opiniones y sus proyectos, entablando así una conversación estimulante y muy interesante, aunque haya sido desde una punta del mundo –nuestra oficina en Barcelona– a la otra –su oficina en Brooklyn–. Desde la redacción estamos convencidos de que Alex Trochut es uno de los invitados más esperados en esta nueva edición del Blanc, que empieza este 18 de octubre en el Casino de l’Aliança de Poblenou. T: Ariadna Pere

Te graduaste en ELISAVA, ya hace unos años. ¿Cuál consideras que es el mayor aprendizaje que te llevaste de tus años de formación? ¿Qué te hubiera gustado que alguien te dijese sobre los entresijos de esta profesión?

El mejor recuerdo que tengo de mis años universitarios son los compañeros que hice. Tuve mucha suerte, porque estuve rodeado por personas que nos potenciábamos. Estábamos muy entusiasmados con lo que hacíamos. Para mi, un chico a quien no le había gustado nunca demasiado estudiar, ésta energía y implicación fue muy gratificante, así como el compañerismo. Fue una época muy positiva, donde pude entender que estoy en un oficio completamente vocacional.

¿Qué te hubiera gustado que alguien te dijeses sobre los entresijos de esta profesión?

Una verdad difícil del diseño es que las cosas están cambiando tan rápido que lo que uno estudió es muy difícil que se ajuste a lo que se dedica o hará en un futuro. Por tanto lo que a mi me concierne es que todo avanza a un ritmo muy rápido, y sí, en su momento, me hubiera gustado que en la universidad se introdujesen herramientas tan útiles actualmente como el 3D o el Lettering, porque ya estaban presentes en el mundo del diseño, pero por ejemplo el 3D no fue una herramienta que, personalmente, considerase importante de explorar. Hecho que se contradice completamente con mi opinión actual, dado que el 3D es una herramienta básica para todo aquel quién quiera expresar con imágenes contenidos que deban tener impacto. Sin embargo, esta reflexión, más que una queja es una imagen propia de la vida laboral, de cómo es la vida de cualquier persona en el siglo XXI. Tu carrera no es fija, debes reinventarte, constantemente.

Después de Barcelona, decidiste mudarte a Nueva York, pero por el medio, pasaste por Berlín. ¿Cómo han marcado estas tres ciudades tu carrera profesional?

En mi caso, puedo hablarte más de sitios que me hayan marcado, que no de ciudades. Aún así, estuve en Berlín de Erasmus, durante un período corto de mi vida –seis meses–, dónde estudié en la Universität der Künste (UDK) y trabajé en un estudio de señalética y tipografía. Recuerdo que estaba en un polo muy opuesto a lo que yo quería, a lo que hoy hago, dado que era una disciplina más racional y restrictiva, pero sí que fue una experiencia personal muy positiva. Por otro lado, si que hay una gran diferencia entre Barcelona y Nueva York, dado que allí hay más oportunidades para tus proyectos. Debes trabajar más para conseguir que tu proyecto tenga éxito, pero hay un mercado más extenso también. El talento tiene más oportunidad allí.

Otro aspecto que ha marcado mi carrera es que allí, en Estados Unidos, debes hablar otro lenguaje profesional; más servicial, dónde se cuida más al cliente. Esto en España es un poco más complicado, dado que hay una tendencia abusiva hacia el diseñador. Por tanto, cuando me trasladé a Nueva York, tuve que cambiar un poco el chip, estar más abierto a las propuestas por parte del cliente, para asegurar una buena relación. Si decides pones limites a sus propuestas rompes un poco el encanto.

Entonces, ¿Estados Unidos equivale a talento?

En Estados Unidos el esfuerzo tiene más recompensa, la industria está mejor organizada, pero el talento nada tiene que ver con la organización de la industria. Quiero decir con esto que en España hay mucho talento, pero el mercado de nuestro país no lo valora como debería, ni tampoco ofrece las oportunidades que se merece.

“Es importante mirar de no repetirse. Aunque lo hagas superbien, aunque domines a la perfección una técnica en el momento en que la haces cien veces, el numero cien habrá perdido un elemento importante: la emoción. Así, tus proyectos irán a peor, porque quizás mejoras la técnica, pero no habrá sorpresa en el resultado” – Alex Trochut

Una de tus frases es “perderse es una buena manera de trabajar”. ¿Cómo influencia esta filosofía en tus trabajos?

Pienso que, muchas veces, cuando haces una cosa por primera vez, o bien te has perdido pero has encontrado una nueva forma de rehacer el camino, aparece un elemento sorpresa en él. Y, este elemento sorpresa crea un entusiasmo, una emoción, cuando uno mismo descubre el resultado final del proyecto, como ha influido el elemento inesperado en éste.

Entonces, muchas veces, es importante mirar de no repetirse. Aunque lo hagas superbien, aunque domines a la perfección una técnica en el momento en que la haces cien veces, el numero 100 habrá perdido un elemento importante: la emoción. Así, tus proyectos irán a peor, porque quizás mejoras la técnica, pero no habrá sorpresa en el resultado. Lo mejor, entonces, es no tener sistemas predefinidos, mira de encontrar una experiencia diferente en el proceso de creación.

 ¿Como definirías tus proyectos en una palabra? ¿Cómo diseñarías esa palabra?

Evolutivos, proyectos donde hay transición. Pienso que cada día es una nueva forma de hacer diseño y, por tanto esta palabra seria un diseño diferente.

¿A qué artistas o diseñadores admiras y te inspiran para llevar a cabo tus trabajos?

Debo decir que hay tres que me inspiran diariamente. Son: Felipe Pantone, Mario Hugo y Jonathan Zawada. También me inspira gran cantidad de artistas del 3D que sigo en el Instagram, pero es imposible recordar todos sus nombres. Así que, en esencia, son estos tres.

Y, ¿por qué razón te inspiran?

Felipe Pantone por sus resultados cuando mezcla tecnología y arte, y la forma en la que consigue sintetizar los temas que tocan experimentos con el color, con la ciencia y el pixel, deconstruyendo así un objeto. Otro artista que me gustaría añadir dentro de los que me inspiran es Yago Hortal, con su uso especial del color. Él y Felipe son dos artista diferentes, pero que trabajan muy bien con la sensación que te aporta un arte mucho más contemplativo, donde se transmiten sentimientos que considero muy presentes en el momento que estamos viviendo. Así, la belleza siempre se adapta al momento, y estos dos artistas han sabido capturar la esencia de ésta.

Por otro lado, Mario Hugo y Jonathan Zawada son dos artistas y diseñadores que considero como modelo de variedad y novedad. Tienen un estilo propio y, sin embargo, no están casados con nadie. Cambian con cada proyecto y éste es un aspecto que considero vital. Evolucionan.

Con la perspectiva de unos años de experiencia encima, ¿cómo ves el mercado de diseño e ilustración en España?

Mi experiencia con el mercado español no ha sido especialmente la mejor. Veo muchas veces que está desorganizado, que te piden que empieces a trabajar en el proyecto y, más adelante, se definirá como será o como se llevará a cabo éste. Es molesto que no se defina previamente los aspectos clave para que un trabajo avance. Primero deben pensar que quieren, y luego pedir al diseñador que lo haga, éste es el proceso que se debería seguir.

¿Cuál es entonces tu mayor crítica al mercado de diseño español?

En España es muy común que cuando se contrata a un diseñador se prescinda, por parte del cliente, de un director artístico. Así, el diseñador debe asumir este rol. Por consecuencia, no hay una dirección clara, hecho que dobla o triplica la tarea. Éste es, para mi, el principal inconveniente y crítica.

¿En que se diferencia de lo que encuentras en otros lugares del mundo?

Por ejemplo, en el mercado norte americano, el proceso es más pautado. Está más organizado, con lo cual el diseñador no dedica más tiempo del que se considera necesario para el proyecto y, por tanto, el presupuesto se ajusta al tiempo de implicación en el proyecto.

Sin embargo, me gustaría añadir que ésta critica no implica que todos los clientes españoles sean malos. Es un tema de eficiencia y organización, no de talento. Fuera, en el mercado global, están organizados –tanto, que incluso el proyecto pierde un poco de espontaneidad­–, pero se trata de encontrar un equilibro.

¿Qué recomendarías entonces, a los jóvenes diseñadores dentro de este mercado español?

Sobretodo que miren de no buscar un mercado a nivel local, sino que sus productos ­–siempre y cuando les gusten a ellos– sean a nivel global. Que miren hacia fuera cuando hagan un diseño, porque también es mucho más fácil, hoy en día, trabajar para todo el mundo. Que guste lo que hagas reside en la base de que a ti te gusten tus proyectos. Los deseos que uno tiene hacia ciertas cosas vienen muy definidas por lo que uno quiere. Es importante guiarse por estos deseos, porque potencian eso que te hace distinto al resto.

 

Trabajas dos ramas del diseño: el diseño gráfico y la tipografía. ¿Cómo las complementas?

Todo depende de los proyectos. Siempre me he guiado por éstos. Cuando empecé me encontré con que, como ilustrador, no era demasiado bueno porque ésta rama del diseño pide una forma demasiado académica. Así, por otro lado, la tipografía me ofrecía la parte más abstracta y expresiva, me ayudaba a definir una actitud, de cómo estaba hecha la palabra. En esta especialidad es donde me siento más a gusto. A partir de éste descubrimiento empecé a moverme por proyecto. Así, me siento muy a gusto con directores de arte que me proponen algún otro reto delante, que quizás yo no había contemplado, descubrir nuevas cosas de mi profesión.

¿Qué fue antes?

Diseño gráfico fue el primero, pero luego, con el tiempo, la tipografía y la ilustración adquirieron protagonismo. Eso pasó cuando llevaba ya tres años de experiencia profesional. Mi tendencia profesional se manifestó entonces hacia la tipografía.

Vuelves a Barcelona para el festival BLANC. ¿Qué has aprendido en Nueva York y te gustaría que todos los jóvenes talentos del festival supieran, en sus primeros pasos?

Bien, al final creo que es muy importante que el joven crea en lo que hace, en su proyecto. Y, sobretodo, que aproveche los canales de comunicación, los cuales son una gran oportunidad –sin ningún filtro previo– para definir una voz propia. Es muy importante que cada persona vaya definiendo su estilo, lo que lo distingue de los demás. Debemos intentar conectar los proyectos con el estilo propio de cada persona. Buscar así cierta originalidad, dentro de la profesionalidad.

¿Qué es lo que más destacas de la programación del festival?

De primeras me hace mucha ilusión escuchar a Patrick Thomas, el diseñador que está a medio camino entre el arte y el diseño. Me gusta ver su evolución hacia un mundo más abstracto. Por otro lado, otro conferenciante que me parece muy interesante de escuchar es Mario Eskenazi. Siempre es pura sabiduría. Sin embargo, en general estoy emocionado con todo lo que venga, con la mente muy abierta. Ir allí, ver lo que hay por descubrir. Esto es quizás lo más bonito del festival Blanc; una programación hecha a medida para la comunidad local, y además genera un clima muy íntimo, donde los conferenciantes puedan hablar de forma más abierta y receptiva. Así, lo más bonito de las conferencias es que te puedas poner en la posición del conferenciante, y en un contexto más pequeño como es el Blanc, la esfera es más relajada y abierta. En el Blanc descubres nuevas caras, gente que quizás no tenias en tu radar y que están allí, pero podrían estar también en una agencia enorme. El festival da, con ese carácter relajado y con tanto talento, un clima único y especial para la comunidad.

Cuéntanos, ¿cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo la necesidad de comenzar a trabajar con el 3D. Últimamente mis proyectos han ido encarados hacia ese sector, pero además tengo muchas ganas de empezar colaboraciones con expertos que llevan ya años trabajando con este medio. Tengo también ganas de generar más animaciones con tipo tipografía y movimientos.

¿Y la razón?

Supervivencia. Por las necesidades y demandas del mercado, que te llevan un poco hacia este camino que es el 3D. También por la razón de estar evolucionando, todo evoluciona y se ve atraído hacia el 3D por un claro motivo: los proyectos con este soporte son mejores, tienen un impacto más directo hacia la audiencia. Por esta razón considero importante coger dominio sobre este campo, tiene muchos beneficios y resultados mucho más positivos. Aún así, estos resultados cabe decir que son de equipo, no de una persona por si sola. Quiero, por tanto, en mis próximos proyectos, empezar a trabajar también esta idea de trabajo en equipo.

 

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