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#lamono117 ESSENCE Insights: edouard sepulchre, la realidad mecánica



Es una verdad incómoda, que intentamos ignorar, pero vuelve para imponerse con más fuerza: dominar una técnica no significa dominar el alma. El artista Edouard Sepulchre nos recuerda con Rodeo Car Family la importancia de implicarse profundamente con su trabajo, su pasión. Con la intuición como motor, traza un mapa fotográfico del mundo que le rodea, sin olvidar nunca su mapa interior. Su perspectiva capta imágenes dónde la realidad cotidiana muta a espacios y formas de gran potencia visual. En esta entrevista, repasamos junto al artista sus inicios en la lógica capitalista de la publicidad y su salto a la fotografía artística. Una trayectoria formada por retratos de paisajes que esperan ser personas, y cuerpos humanos deconstruidos en estructuras poligonales. En su trabajo Rodeo Car Family, situada en un club de carreras al norte de Francia, nos habla de la libertad en la ausencia total de prejuicios y (sobretodo) nos habla de la familia. Miradas protectoras, cómplices entre los miembros pero desafiantes ante lo ajeno. Los coches salpicados de barro como nuevo nexo de unión familiar. Seres a los que nos une una cuerda invisible, en la que a veces tropezar, a veces sujetarse para evitar caer. La familia como esencia de todo artista, quizá otra verdad incómoda por explorar. T: Samuel Prim

www.edouard-sepulchre.com

Antes de centrar tu carrera en la fotografía artística, te dedicabas al negocio publicitario trabajando en grandes corporaciones. ¿Cómo fue esa transición de un estilo más comercial a algo más orgánico y experimental? En ese momento, trabajaba como planificador estratégico, así que tenía que estar al día de todas las noticias económicas, sociales y artísticas. Estaba siendo estimulado constantemente. En estas condiciones, es bastante difícil profundizar en lo que realmente te interesa. La ruptura ocurre principalmente en este nivel. Desde entonces, he encontrado un ritmo y una relación con el mundo que me conviene más. El espectro de mis intereses es más pequeño, pero tienen mucho sentido para mí.

Algo que realmente me llamó la atención es que capturas un edificio como si fuera una persona, lo humanizas y le das una personalidad. Por otro lado, también capturas personas o partes de un cuerpo humano como si fueran estructuras construidas, arrebatándole su personalidad humana. ¿Estás de acuerdo con esa percepción? Efectivamente, cuando fotografío un paisaje me gusta buscar una presencia humana a través de las formas aleatorias que se encuentran en la naturaleza. Creo que es interesante cuando un paisaje, ya sea urbano o natural, se convierte en presencia. En lo que respecta a la serie Bikers, la idea de no mostrar rostros permite enfocarse en lo que realmente importa. Es a través de los accesorios, la ropa y los tatuajes que ingresamos a su mundo. Las caras no son siempre expresivas y narrativas. A veces lo son, pero no siempre. Los seres humanos también tienen una vieja costumbre que implica mirar primero a la cara y, a veces, perderse el resto. Y finalmente me parece interesante que una foto no muestre todo. El hecho de que falte algo obliga a la imaginación a llenarlo. Para que una foto permanezca “abierta”, es necesario crear un enigma, de una forma u otra.

Tu serie de fotos Rodeo Car captura la esencia de la libertad de alguien que deja el caos y la estructura social de la ciudad para vivir a su manera. ¿Qué piensas sobre esto? Estas personas no han abandonado la ciudad, simplemente nacieron en un ambiente cultural un poco apartado. Pero ellos viven una vida normal. Tienen un trabajo (a menudo mecánico), el Rodeo Car es un hobby y vienen a divertirse en total libertad. No hay reclamo de libertad. Esto es precisamente lo que es interesante. Por otro lado, los motociclistas a menudo reclaman la libertad, creyendo que escapan del sistema y sus códigos vinculantes. Para eso, se compran el llamado uniforme de motociclista. Como resultado, “ser motociclista” se ha convertido para muchos de ellos en un producto comercial como cualquier otro, pero esta comunidad de Rodeo Car es diferente.

Algunas de las miradas que podemos ver en las caras del Rodeo Car son desafiantes, llenas de convicción. Esos son ojos que no temen mirar realmente, ¿no crees? Sí estoy de acuerdo. La mayoría de ellos se sienten muy cómodos con su imagen y se dejan fotografiar sin ningún problema. Incluso hay algo de curiosidad y orgullo en el hecho de que mostramos interesados ​​por ellos, porque no había otro fotógrafo profesional cerca. Esto también se refleja en la forma en que se hablan entre sí de una manera bastante directa.

¿Son espontáneos y directos porque entre ellos no existe una autoridad severa? Estando presentes en el lugar, sentimos que hay una autoridad. Además, los niños se divierten pero no hacen cosas realmente disparatadas. Creo que es porque están incluidos en las actividades adultas y los padres confían en ellos. No tienen miedo y no proyectan todas sus ansiedades a sus hijos. Por ejemplo, si miras la foto en la que sale un niño bebiendo en una botella de cerveza, las apariencias engañan porque en realidad está bebiendo agua. Él se divierte fingiendo ser un adulto de la misma manera que todos hemos fumado de pequeños un cigarrillo de chocolate.

Cielos nublados y barro, que contrastan con el color óxido de los coches metálicos y la ropa deportiva. ¿Tenías una concepción de color previa a disparar esta serie? Mi fotografía juega con los colores, por lo que inconscientemente me atraen escenas que me parecen gráficas (mientras tengan sentido, por supuesto). Pero para esta serie, no puedo decir que haya una intención consciente en términos de paleta de colores. Trabajo con lo que tengo delante, siguiendo mi instinto.

Tu trabajo se centra sobre todo en Francia. Al verlo a través de tu prisma, podemos conocer un país muy ecléctico, y apreciar su mezcla cultural. ¿Qué piensas sobre eso? Intento mostrar una Francia que la gente no suele ver. Cada tema constituye una micro comunidad o un micro universo. Si bien la mayoría de los fotógrafos trabajan sobre el mismo tema a lo largo de una serie, yo necesito cambiar el tema y hacer un nuevo ejercicio cada vez que disparo. Pero el enfoque siempre es el mismo, Jean-Luc Godard lo resume muy bien: “No es dónde tomas las cosas, sino hasta dónde las llevas”.

“Lo que me interesa de la fotografía es la posibilidad de operar un proceso de RECONSTRUCCIÓN de la realidad. No trato de mostrar la realidad tal y cómo es, sino que trato de recomponerla dándole una forma final que abre un trampolín para la imaginación”

Tienes una serie en curso llamada Looking for America en la que buscas símbolos e iconos americanos en todo el mundo. Y en A Month In The West, finalmente conoces la América real. ¿Qué significa América para ti, personal y profesionalmente? Los coloristas estadounidenses son los fotógrafos que han despertado en mí el interés por la fotografía. En 2015, este viaje a Estados Unidos fue otra forma de revelación. Entendí, en ese momento, dónde estaba mi disfrute real como fotógrafo. Más tarde, me di cuenta de que cuando una escena me llega, es porque de una forma u otra me lleva de vuelta a Estados Unidos y, más concretamente, al oeste, con todos los mitos que se le atribuyen. Obviamente, los temas de libertad y el llamado wanderlust son centrales, pero también existe la idea de “descubrirse a uno mismo” en un entorno desértico donde todo queda por construir. Occidente es a la vez el lugar de la perdición y el lugar del hacerse a uno mismo. Está claro que si hablamos de Estados Unidos en general, debemos reconocer que la iconografía estadounidense ha colonizado nuestra imaginación. Si miras las otras series fotográficas que hice en Francia, a menudo tenemos la impresión de estar allí, en Estados Unidos, porque estas comunidades han sido alimentadas con iconografía americana desde una edad muy temprana. 

Has publicado en algunas revistas de fotografía muy conocidas de todo el mundo y gracias a eso, el público puede ver tu trabajo fuera del museo, en su propia intimidad y prestando una atención diferente. ¿Cómo crees que esto tiene que ver con la evaluación final de tu trabajo y su significado? Hay medios que aportan visibilidad, otros que aportan sentido y credibilidad. Pero todos son complementarios. Lo que importa es que el público pueda descubrir el trabajo de un artista desde diferentes fuentes. Hacer una entrevista tiene sentido y es muy importante en un mundo en el que tiendes a desplazarte por las imágenes rápidamente. Le da a las personas la oportunidad de conocer un punto de vista diferente.

Volviendo a tu pasado en el negocio publicitario, hoy en día los anuncios están en todas partes. Son más agresivos pero también más artísticos en un sentido estético. ¿Crees que la publicidad puede ser arte aunque intente venderte algo? No sé si podemos decir que la publicidad es más artística hoy en día. Hoy, de hecho, se ve más bonito, más estético, más atractivo por fuera pero los mensajes son mucho más consensuales. Pero el verdadero tema a analizar, si quieres mi opinión, es que el arte te mueve cuando sientes su sinceridad y autenticidad, cuando sientes que expresa una forma de intimidad con su creador. Y desgraciadamente hoy hay muy pocas marcas que me den esa sensación. Incluso diría que aquellos que son realmente sinceros hacen muy poca publicidad.

Este único está conceptualizado bajo el monotema ESSENCE. ¿Cómo diría que es la esencia de su trabajo, hablando en términos de pasado y futuro? ¿Cuál es el concepto que une a toda tu obra? Lo que me interesa de la fotografía es la posibilidad de operar un proceso de RECONSTRUCCIÓN de la realidad. No trato de mostrar la realidad tal y cómo es, sino que trato de recomponerla dándole una forma final que abre un trampolín para la imaginación. Independientemente del tema, la idea es poder cambiar el punto de vista del que mira. 

¿Cuáles son tus próximos proyectos? Mis dos proyectos actuales son Looking for America ​​(del que ya hemos hablado) y Dryland, una serie que ya empecé hace tiempo pero que aún no sale en mi página web. Por ahora, de vez en cuando publico fotos en Instagram y en Tumblr. A través de esta última serie, intento recrear un mundo en la frontera entre lo real y lo imaginario a partir de los paisajes y personajes que se encuentran en las tierras áridas del norte de África y el Medio Oriente. Para este proyecto, recorrer la zona en bicicleta y ya llevo 6.500 km hasta ahora. Pero el camino todavía es largo y estoy muy lejos de haber terminado. Me gustaría que se publique un libro y una exposición de este proyecto.

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